Corazón Cenicero

"Battle for the sun" es el nuevo disco de Placebo que hoy sale a la venta. En doce años la banda inglesa se ha consagrado como una de nuestras favoritas y, sin duda, a la que más ganas tenemos de ver en directo. Estarán el día 11 de julio en el BBK Live de Bilbao, pero nosotros no estaremos allí. Les seguiremos esperando en Madrid, donde seguro que tocarán pronto.

Su nuevo disco es una nueva vuelta de tuerca de estos ciclotímicos empedernidos, a los que nos gusta mucho oír, pero cuya androginia no acabamos de digerir del todo. Esta vez han estado grabando durante tres meses en los estudios Metal Works de Toronto y tienen nuevo batería, Steven Forrester, fichado después de telonear al grupo con su banda Evoline durante la gira americana de 2006.

La Batalla por el Sol es más positivista que el excelente "Meds" y sigue con la tónica de mejora constante de un grupo que al principio hacía discos en los que más de la mitad de las canciones eran infumables y el resto sublimes. En los dos últimos discos se pueden escuchar todos los temas y la tónica general es excelente.

En el fondo, su sonido es siempre el mismo, la voz de Molko es única y a nosotros nos evoca sensaciones familiares: comienzos de milenios, confusión, desasosiego y calma después de la tempestad. Los Placebo son los auténticos sucesores de Smashing, desde la distancia entre sus sonidos, y esta vez han sido mezclados por Alan Moulder, que ya ha trabajado varias veces con las Calabazas.

El "Hard Pop" de Molko es más luminoso que nunca y puede que no convenza a sus fans más antiguos, lo que está claro es que se han aliado con el tiempo y los elementos para desafiar los avatares de una industria en proceso de descomposición. Su mensaje es el de siempre: los que resisten acaban ganándose la eternidad.

Tuvo que correr

Nada que añadir al excelente post del gran Zerep, simplemente la mejor canción del poeta urbano más grande que ha dado este país:

Tuve que correr
cuando la vida dijo: "ve"
No hubo manera de pararme
Correr que fue volar
Beber de un solo trago todo el mar
Y no sació mi sed el agua
Tomé el sendero sin saber
que me alejaba para no volver
Dulce como miel
probar el roce de su piel
Ella en el suelo, yo en el aire
Dulce pero cruel
llenó mi mundo de papel
Jamás pensé que llegaría a helarme
Que perdería el calor
y con el tiempo la razón
En el camino tropecé
con esa piedra desde la que arranqué
Tomé el sendero sin saber
que me alejaba para no volver
En el camino encontré
lo que jamás pensé tener
Tuve que correr
cuando en el viento pude oir
que igual que vine habría de marcharme,
que como vine habría de marcharme

Rompiendo barreras

Fall Out Boy, comunmente abreviado «FOB», es una banda de Rock Alternativo de Chicago, que se formó en el 2001. El nombre de la banda se debe a un personaje de The Simpsons con el mismo nombre, conocido en España como Fision Boy.

El grupo ha cosechado varios premios y ha sido reconocido por su álbum debut "From Under the Cork Tree". Lanzado en el 2005, alcanzó la categoría de Doble Platino por vender más de 70.000 copias en su primera semana. Su promoción llevo a FOB de gira por todo Estados Unidos, Canadá, Japón y Europa.

En Febrero del 2007 lanzaron su segundo disco titulado "Infinity On High" y consiguieron despuntar en las listas de éxitos, llegando al número 1 en el Billboard y vendiendo más de 260.000 copias en su primera semana. El sencillo principal, "This Ain't a Scene, It's an Arms Race", alcanzó el número 1 en múltiples listas de hitazos. Para presentar el álbum, la banda tocó en el concierto Live Earth y otros muchos festivales de aquel 2007.

Hay algo que su lider Pete Wentz quiere dejar claro con su último disco, lanzado en noviembre y que lleva por título "Folie A Deux": su vida personal es cosa aparte. Así que en este nuevo material no hay que esperar escuchar canciones para corazones melosos, como uno esperaría tras la reciente paternidad de Wentz, fruto de su relación con la cantante Ashlee Simpson.

El bajista y letrista principal de la exitosa banda de rock decidió crear un álbum que superara la calidad y éxito de sus trabajos anteriores. Y parece que lo logró. Folie A Deux, frase en francés que significa algo así como "locura de dos", es un disco que permite sentir las emociones de Wentz, a pesar de que el músico se propuso no meter en los temas sus experiencias personales, como hiciera en el pasado. Su buen resultado es un desafio para los más escépticos.

Aspiraciones psicodélicas

MGMT (management) son una banda que debutó este año en formato largo con un disco en el que se une el electro con esa locura psicodélica de los Flaming Lips. Gran parte de culpa de este sonido la tiene Dave Fridmann, que repite en "Oracular Spectacular" los mismos trucos de producción que tantas veces le hemos visto ya: baterías distorsionadas y mil teclados con eco, todo rebotando para sacar chispas.

Fridmann también pone a disposición de MGMT todo un arsenal de sus mejores trucos en el single de "Oracular Spectacular", esta "Time To Pretend" que luce como las mejores joyas. Sí, ya nos sabemos a qué suenan las canciones en las que Fridmann meten mano, pero MGMT dan aquí con muchos ganchos.

La primera vez que la oí, me pareció lo mismo de siempre, pero no he podido evitar que esa línea de teclado se me metiera en la cabeza. Por si fuera poco, estos neoyorquinos dan con una letra que le vendría que ni pintado a Pete Doherty: "Lets make some music, make some money, find some models for wives/I'll go to Paris take some heroin and fuck with the stars".

Regreso a los 90

A medida que nos vamos alejando de los años 90, la gente se va dando cuenta de algunas cuantas obras indispensables de la época a las que la crítica les dio un trato más bien injusto. Por ejemplo, a los discos de Lemonheads, cuyos buenos trabajos (y tienen al menos tres) puntuaron bien alto entre la facción pop. Vale, no sonaban a cascarria (que era la moda), ni tampoco tenían nada de electrónico (que también fue otra moda), ni por supuesto, llevaron ningún sello grunge. Así que sólo contaron con la imagen de su líder, el guapo pero bastante cabeza loca Evan Dando, y con sus canciones para defenderse.

Y así no se podía. Porque, al final, en esa época casi parecía que lo de menos era la música. Se maltrataban injustamente a buenísimos grupos de pop simplemente porque no servían para una supuesta revolución sonora que nunca llegaba. O porque se adoptaban posturas clasicistas a la hora de producir los discos, en vez de optar por lo extraño, lo sucio o lo directamente feo.

Evan Dando, pese a estar más interesado en salir en portadas de revistas que en hacer canciones, tenía y tiene talento. Deseaba tanto ser estrella el pop que caía mal a los críticos y a cualquier aficionado que estuviese harto de egos y chorradas varias. Pero tenía el don de hacer canciones obvias y vestirlas con trapos diferentes. Tenía el gusto por la melodía infalible. Y una chispa indudable para inundar de melancolía vitalista (sí, es posible) casi todo lo que tocaba con una guitarra. Además, daba al powerpop una dosis de guitarrazos suficiente como para que cupiese en la ambigua etiqueta de lo 'alternativo'.

It´s a Shame About Ray, reeditado por Rhino en una edición de coleccionista que muestra desnudas algunas de sus canciones más importantes, que pone mucho interés en la parte audiovisual del asunto, es un discos imprescindible para los amantes del pop con guitarras. Mucho más imprescindible que la mayoría de los que hoy nos venden. Ríndete al pasado y descubre un clásico de los de verdad. De los que no podrás dejar de escuchar.

Recreaciones lisérgicas

Mystery Jets pasarán a la historia por ser la única banda que ha tenido que ver cómo se marchaba de la formación, el padre del cantante, miembro fundador. Blaine Harrison y su padre, Henry, formaron Mystery Jets junto a dos amigos del colegio del primero, Kai Fish y Will Rees. Más adelante reclutaron a Kapil Trivedi a la batería. Pronto llamaron la atención del público y la industria gracias a sus directos y a su pop-rock progresivo de toques lisérgicos. Pero todo esto tenía que cambiar.

Tras fichar por 679 Recordings y editar un puñado de singles, debutaron en formato largo con 'Making Dens' (06), un lanzamiento que les llevó de gira por el mundo y gracias al que forjaron su reputación como una de las mejores nuevas bandas salidas del Reino Unido. O más bien de la cosecha hype británica de 2006, junto a The Good Shoes, Larrikin Love, Eel Pie Island o Jamie T.

Mystery Jets regresaron dos años más tarde de la mano de Rough Trade con 'Twenty One' , un giro hacia canciones más "radio-friendly", pop -pegadizas, tarareables, optimistas, enérgicas- y para el que han contado con todo un maestro en las tareas de producción, Erol Alkan.

Las etiquetas (pop progresivo, grupo coral, herederos de Pink Floyd) pasando olímpicamente del rock progresivo y buscando la inspiración en lugares sorprendentes. Como la discografía de Michael Jackson o en producciones ochentenas pegajosas y efectistas, y todo sea dicho, resultonas. Para muestra, 'Two Doors Down', que, como ellos mismo escriben, parece "inspirado en Aztec Camera y Phil Collins, con un solo de saxo que podría aparecer en un disco de Wet, Wet, Wet." Ahí es nada.

Junto a él, se pueden encontrar cortes radiantes como 'Young Love', una canción de pop clásico en la que colabora la joven promesa del folk británica Laura Marling, condensa en su letra el espíritu de un álbum que lleva por título la edad de sus protagonistas, 21. Arriba dejo el vídeo.

Revelry

What a night for a dance,
you know, i'm a dancing machine
put the fire in my bones
with the sweet taste of kerosene

i get lost in the lights(?),
so high, i don't want to come down
to face the loss of the good thing that i found

woo hoo hoo
woo hoo hoo

in the dark of the night
i can hear you calling my name
with the hardest of hearts
i still feel full of pain

so i drink and i smoke
and i ask
if you're ever around
even though it was me
who drove us right in the ground

see, the time we shared
it was precious to me
all the while i was dreaming of revelry

on a run, baby, run
like a steam down a mountainside
with the wind in my back
i don't ever even bat an eye
just know it was you all along
who had a hole in my heart
but the demon in me
was the best of friends from the start

so the time we shared
it was precious to me
all a while i was dreaming of revelry
dreaming of revelry

and i told myself
for the way you go
it rained so hard
it felt like snow
everything came
a' tumbling down on me
in the back of the woods
in dark of the night
careless, --(?), your moonlight
everything just felt so empty
dreaming of revelry

Lady Halcón

Philippa Brown es una orgullosa Kiwi de 27 años y el máximo exponente de la música All Black. Si alguien recuerda algún otro grupo o artista neozelandés que lo diga. Su música bebe de las fuentes ochenteras y da la sensación de sumirse en el túnel del tiempo, con nostalgia y sensación de deja vú.

En su infancia a Pipa se le diagnosticó un trastorno cercano al autismo que condicionó para siempre su relación con el mundo exterior y que la acabaría convirtiendo en una artista diferente, especial por rara. En la música no hay nada nuevo, las referencias e inspiraciones vienen siendo las mismas desde hace décadas, la gracia está en copiar haciendo creer que se está haciendo algo diferente.

Los telefilmes baratos marcaron nuestra niñez y la de Philippa, los sintetizadores marcaban el ritmo de un Rocky en busca de su siguiente desafío con el mundo. No se si llegamos a aprender algo de todo ese cine de sobremesa que vimos, las hombreras desaparecieron y las americanas blancas de Sonny Crockett dieron paso a una década de los 90 en la que seríamos ligeramente menos felices, la adolescencia nos esperaba a la vuelta de la esquina.

Evolucionar sin renunciar a nuestra esencia es complicado, sobre todo si casi todo sigue siendo igual o muy parecido. Hay ocasiones en las que se impone cortar por lo sano, irte al otro lado del mundo y probar suerte. Al principio lo pasas mal, no conoces a nadie, pero si eres medio autista, eso no importa demasiado. De sus periplos por las otras islas de la Commonwealth, surgió una nueva Felipa, que echaría a volar para siempre con el nombre de Ladyhawke.

Su canción "Crazy World" podría ser la banda sonora perfecta para los días inciertos que vivimos ahora. Sumidos en una crisis mundial de dimensiones bíblicas, lo único que nos queda es refugiarnos en la música, en esa que nos recuerda que el mundo está todavía más loco que nosotros y que no descansaremos hasta encontrar la última inquietud, esa que nos haga hundirnos y nos reflote como ese corcho que siempre supimos que eramos, pero que nunca nos atrevimos a aceptar como parte de nuestra naturaleza.

Tenían que ser Galeses

Es 2003 en Cowbridge, un suburbio de Cardiff. Cuatro amigos de toda la vida se aburren tirados en un sofá y deciden aporrear una guitarra de cinco cuerdas, hasta llegar a fundar un grupo y se deciden llamar White Rabbit. James Frost será el guitarrista, Robin Hawkins cantante y bajo, Iwan Griffiths se pondrá a la batería y Alex Pennie se dedicará a los teclados.

En sus ensayos surge una extravagante amalgama de melodías britpop, mezcladas con fibrosa energía post-punk y mucho descaro juvenil. A principios de 2005 se rebautizan como The Automatic. Y con eso parece que están listos para ser la última esperanza blanca de la temporada. Acabarán grabando una maqueta que llamará la atención del sello B-Unique.

En noviembre de 2005 aparece 'Recover' (B-Unique), un primer single que rápidamente acapara la atención con su poderoso ritmo y su envaucador bajo. Se pasan el otoño del 2005 haciendo giras por todo el Reino Unido, acompañando a bandas como The Kooks y Kaiser Chiefs, y sembrando a su alrededor la leyenda de sus cada vez más incendiarias y excitantes actuaciones. El boca-a-boca funcionó, tanto que cuando llegó a la calle su segundo single (adelanto del álbum) en la primavera de 2006, 'Raoul', entró directo al Top 40 británico.

Más melódico, más pop, 'Raoul' era sólo el aperitivo para lo que vino después, 'Monster', la canción que les puso en el mapa, llegando al Top 5 sólo por las descargas electrónicas. 'Not Accepted Anywhere', su primer disco, entró directo al número 3 de las listas de álbumes.

Con su segundo disco "This Is A Fix", los Automatic han expandido su espectro musical, mezclando pop suave con rock del auténtico, pasando de uno otro con inusitada violencia. Sus canciones están plagadas de sentido del humor y urgencia, incluyendo el espionaje y la necesidad de divertirse de la gente. Se han hecho mayores y han demostrado su capacidad para construir música distinta, con canciones como "Magazines" o "This Ship".

El Comandante salió a fumar y los Muchachos se amotinaron en el Cantarranas

Un escenario de nuestro pasado, cubierto de hierba y sueños rotos; sirvió de pista de despegue para un concierto mayúsculo. La reivindicación definitiva de un artista total, el ejemplo perfecto de que por muy hundidos que estemos siempre podemos salir adelante. Andrés lleva toda la vida entre nosotros, formando parte de nuestra conciencia, desde que nos enamorara de su "Flaca" y hasta que nos llevó a gambetear con la pelota por el cesped del Estadio Azteca.

La Albiceleste con el 22 de Calamaro, es el símbolo perfecto de un personaje que nunca llegó a tomarse demasiado en serio a sí mismo y que valora la amistad por encima de todas las cosas. Los artistas en nuestros días llenan estadios botelloneros, con la misma facilidad que antaño rellenaban sus petacas con canciones mayúsculas, capaces de emocionarnos y de estar ahí para hacernos reír y emocionarnos, a partes iguales.

El Comandante quería dar un recital de 3 horas, pero las autoridades metieron la tijera y le dijeron que se moderará, que comprimiera su magia en 130 minutos de canciones de siempre y lenguas populares. El tío Jaime Urrutia salió de su frasco de formol, para recordarnos que hay tupés que nunca mueren y que se puede tener hermanos nacidos allende los mares, que siempre nos harán más grandes con sus elegías y sus églogas.

En las barras del Cantarranas las copas se multiplican por dos y acabas postrado a seis filas del escenario, en una noche que anunciaba lluvia pero en la que lo único que cayeron del cielo fueron los aullidos crepusculares de un porteño que se siente madrileño, catalán o lo que toque. Allá donde paremos, estamos condenados a mimetizarnos con los lugareños y acabar cantando a voz en grito, batiendo palmas y exaltando amistad, amor y honestidad brutal.

Miles de fieles se rindieron ante el cabeza de cartel de este evento, parcialmente patrocinado por el Metro y la Comunidad, que por una vez invirtió bien su dinero, en una orgía de vasos de mini, hielos, alcohol y cortezas de las que hacen bola. Casi nadie recordará el alisado de pelo de Melendi, ni al resto de convidados al recital del Comandante que se bamboleó por el escenario con la contundencia de un Muchacho calzado con Impolutos.

Nunca echaremos de menos lo suficiente no haber podido ver el mundial del 78, pero gracias al Tío Andrés, seguiremos deslizándonos por la Montaña Rusa con una sonrisa en la boca, sabiendo que pronto habrá otra parada para avituallarnos de energía en mitad de ninguna parte, disfrutando de la mística de CaraDeMalo y su incontinencia musical, vital y cenital.

Viva la Vida

Hace unos ocho años, en una de esas sesiones de gimnasio santaeugeniano con Txete, comenzó a sonar "Yellow" y le dije: "Escucha bien a estos tipos, porque en poco tiempo serán los más grandes". No sé cuando empezó a cumplirse la profecía, lo que sí que sé es que hace unos días dieron una lección de vitalismo musical en el Palacio, el mismo sitio donde nos despedimos de los Smashing un 1 de octubre del 2000.

Infinidad de batallas han quedado atrás desde aquel año 2000 y es imposible que no se te pongan los pelos como escarpias cuando oyes "Viva la vida" y recuerdas todo lo que has viajado, vivido, aprendido, sentido y visto en estos años. Nos sentimos identificados con este himno por nuestra afición al carpe diem ocasional, a mirar a la vida a los ojos sólo cuando sospechamos que el final puede estar cerca.

Sumidos en un espectáculo de luz y de color nos evadimos con canciones que ya forman parte de nuestro inconsciente colectivo:

- Ese "Clocks" que fue la melodía de nuestro móvil mientras esperábamos la llamada de alguna empresa que nos liberará del sopor profesional absoluto.

- "The Hardest Part" o como hacer fácil lo difícil sin caer en viceversas.

- "Low", "Fix You", "X and Y" o como reinventarnos sin llegar a perder nuestra esencia primigenia

...

Chris Martin es showman y divertido, un personaje que disfruta derramando sudor sobre un escenario, sin olvidar dedicarle una canción a su "padre y madre de Talavera", chapurrear un español aceptable y huir de las suspicacias de una vida perfecta, mientras incluye el tintineo de los billetitos verdes como acompañamiento coral de todas sus canciones.

Uno de los grandes placeres de la vida, es poder volver andando a casa desde el Palacio. Bajando por Doctor Esquerdo te acuerdas de otras veces que pasaste por allí ... hubo bajadas muy buenas, buenas, malas y muy malas. La sensación que te queda es que Madrid siempre estuvo allí, con su alma maldita de extraño cruce entre Viena y NYC, escuchando tus gritos y tus lamentos, ya sean un "LARALARALARA ... LARA 17-O,17-O ... 17-O" o un "OOOOO ... OOO"

Corazonada

A veces, lo más simple es lo que más puede llegar a sorprendernos. "Once" es una pequeña gran película que gustará hasta a los que detestan los musicales, una cinta sobre la esperanza en la que los protagonistas son anónimos el uno para el otro. No necesitan llamarse para crear una pequeña obra de arte en la que la banda sonora fluye y se entremezcla con la historia.

"Once" es un "Antes del Amanecer" mucho menos pretencioso y con protagonistas musicales sobradamente perro-flautas. Con apenas 100.000 euros de presupuesto consiguieron hacerse un hueco en los Oscars, donde, desde la humildad, se llevaron la estatuilla y siguieron dando una lección de dignidad creativa y talento, con un discurso capaz de enternecer hasta a las estrellas más duras del firmamento hollywoodiense.

Es obligado hacerse con el disco de la película. "Falling Slowly" y "When your mind's made up" destacan sobre un total de 13 canciones tan inspiradoras como necesarias y que gustarán más allá de géneros o preferencias personales.

El argumento nos propone la amistad como único alivio verdadero para la soledad, una fórmula que todos conocemos pero que a menudo olvidamos aplicar. Con sus entrañables protagonistas, nos sumergiremos en el Dublín menos verde para conocer a unos cuantos antiheroes poco habituales, que en lugar de ahogar sus miserias en la barra de un pub, prefieren gastarse el dinero en crear su propia música, provocando la envidía de todos aquellos que jamás hemos sido capaces de tocar un mal acorde.

Hay veces en las que todo lo que se diga de una película no hará más que adulterar las sensaciones de aquellos que la vean por primera vez. No hablaré de recursos estilísticos, ni de excelentes interpretaciones neófitas; en casos como el de "Once" lo mejor es verla, escucharla y compartir lo que nos ha transmitido con quien tengamos más cerca.

Hay películas que después de verlas te dan la sensación de ser mejor persona y otras como esta, que no aspirando a tanto, consiguen llenar para siempre vacíos cinematográficos y musicales en almas saturadas de información, sonidos e imágenes en movimiento.

Shangri-La

Los de Birmingham se hicieron esperar todo lo que sus desconocidos teloneros les permitieron, una sensación de duda razonable flotaba en el selecto ambiente de unos pocos miles de jóvenes escapados de sus frustradas y ligeramente emancipadas vidas, que llevaban esperando desde el mítico concierto de los Killers para reeditar unos gritos irreproducibles mientras votaban al son de una música no bailable.

El acento indescifrable del líder de los Editors lanzaba "Gracias" y "Holas Madrid" a un respetable que seguía preguntándose que hubiera hecho con su entrada si aquella tarde se hubiera jugado un Manchester-Madrid, puestos a elegir entre el placer sensorial y la devoción a unos colores (o la ausencia de ellos).

Acudimos a nuestra cita con las cenizas volátiles de Ian Curtis, esta vez las palmeras de La Riviera nos permitirían oler como crece la música del segundo mejor grupo de las islas (¿después de los Artic Monkeys?). El loco del escenario respondía al nombre de Tom Smith y no paraba de subirse al piano y los bafles, para demostrarnos que estaba más en forma que nosotros, que ya no tenemos 20 años.

Sonaron 20 canciones muy parecidas, a ratos era obligado dudar entre la repetición, el déjà vu y los temazos de un par de discos redondos. Fueron de menos a más, obligando al público a gritar mucho más fuerte que cuando capoteaban en la plaza de toros del Coco Loco, oyendo como futuros jugadores del Olimpiakos perdonaban vidas y dejaban apuntarse tantos a las lugareñas.

El talento sin garra no vale gran cosa, a los Editors les sobra de ambos, sus voces de ultratumba resuenan en nuestras conciencias de tipos demasiado jóvenes como para haber vivido los mejores años de los Cure. Un cover es lo que Hector del Mar llamaría "recordar es volver a vivir", si los homenajeados son Bobby Smith y los suyos, ese "Lullaby" es mucho más que una declaración de intenciones. "Control" fue lo que nunca se echó de menos en una noche inolvidable en la que 2500 privilegiados pudimos mojarnos las barbas en el mejor sonido post-punk del Planeta.

Satisfechos como un cochinillo salvado de la parrilla, nos fuimos a casa con la sensación de que cuando vas a un concierto es importante saberse las canciones que van a sonar. Nacimos demasiado tarde para admirar a los Joy Division y demasiado pronto como para no entender sus frustraciones.

Más de lo mismo, igual de bueno

"Ingravidez" es un digno sucesor de el Bulevar, cada medianoche de domingo repasa un puñado de canciones que rara vez sonarían a cualquier otra hora en la cadena que lo acoge, los mismísimos 40.

Comenzó a emitirse en septiembre del 2002. Presentado desde sus orígenes por Ramón Redondo, un tipo mucho menos borde que Chema Rey; su horario de emisión actual son las noches del domingo-lunes de 00:00 a 01:00 de la mañana, y su audiencia se estima entorno a los 140.000 oyentes.

El objetivo del programa es repasar las novedades discográficas relacionadas con el rock en todas sus tendencias, reflejando los éxitos más importantes del momento tanto de las islas británicas como en los States. De vez en cuando nos deleitan con sesiones acústicas en vivo, secciones con repasos a los clásicos del rock en los 90 y los covers más curiosos del momento.

Entre sus secciones fijas cabe destacar:

Memorial Yuri Gagarin: espacio dedicado a las versiones cuyo nombre homenajea al ruso Yuri Gagarin, el primer humano en alcanzar el estado de ingravidez.

Clásico en Gravedad Cero: sección que cierra el programa rememorando algunas de las mejores canciones de los últimos años.

Despés de maravillarnos en directo hace unos meses en las Ventas, The Killers han publicado "Sawdust" su tercer disco, en su otoñal portada una mano se muestra como el tronco de un arbol caído.

Se trata de un recopilatorio de rarezas y caras B entre las que se incluye el tema "Tranquilize" que grabaron junto a Lou Reed y la versión de " Shadowplay" de Joy Division incluida en la banda sonora de la película "Control", biopic sobre su cantante Ian Curtis.

No hace falta que te pongas a buscar todos estos temas en internet para hacerte una idea del disco al completo, los de NME lo han hecho por nosotros y han recopilado en una página todas estas canciones rescatadas de sus directos.

Nubes negras se ciernen sobre las islas

Malos tiempos para los hijos de la Gran Bretaña, en la última semana su selección de fútbol se ha quedado sin opciones de ir a la Eurocopa, el 15 de la Rosa ha perdido la final del mundial de Rugby, el enchufao Hamilton ha hecho el ridículo cuando estaba a punto de coronarse como el campeón más precoz de la Fórmula 1 y, para colmo de males, el retorno de las Spice Girls es ya una realidad.

La selección de McClaren (Steve) fue víctima del pésimo arbitraje de nuestro Medina Cantalejo, que en su juventud fue uno de los damnificados por el día ese en que todos los guiris salen a pegar a los hispanos que dicen que van a Londres a aprender inglés y acaban pasando todo el tiempo con otros castellano-parlantes. Que vueltas da la vida, hace un año los escoceses se tenían que conformar con apoyar - o desear la derrota inmisericorde - de la pérfida albión en el Mundial de Alemania, ahora parece que los del whisky se meterán sobrados en la Eurocopa, para escarnio de sus vecinos inventores del fútbol.

Hablando de invenciones de deportes, este sábado los ingleses tuvieron que ver otra vez como una antigua colonia les arrebataba el mundial de Rugby en la catedral del fútbol gabacho. El del balón-melón es un deporte de caballeros practicado por bestias y en el que, hoy por hoy, el Hemisferio Sur es muy superior al Norte. En España nunca acabaremos de entender sus reglas, pero a muchos nos fascina su mística, plagada de rituales como ese legendario tercer tiempo en el que los equipos unen sus fuerzas para dejar sin cerveza al bar de turno.

Con toda la ayuda del mundo, el repelente Hamilton se ha quedado sin su mundial. Alonso no cae bien a todos en nuestro país, pero el odio a Hamilton sí que es unánime. Este individuo ha logrado unificar un sentimiento nacional mucho más profundo que el del día de la banderita en el Barrio de Salamanca. Todos queríamos que Hamilton se piñara, para que se jodieran los que le habían estado literalmente empujando el monoplaza toda la temporada.

Días inciertos para los amos de la Commonwealth, que encima tendrán que soportar la vuelta a los escenarios de las chicas picantes. Por suerte para ellos, la BBC sigue siendo el último reducto de la grandeza que un día tuvieron y hoy se publica "Live Lounge 2", un disco de versiones emitidas en Radio 1, que a buen seguro hará las delicias de nuestro amigo Chema Rey.

Los sucesores

Mientras Billy Corgan peleaba por reencontrarse a si mismo como líder de las Calabazas, cuatro amigos de L.A. decidieron pasarle factura a los de Chicago, por todo lo que #23M.J. les había robado a los de amarillo y púrpura durante la década de los 90.

Silversun Pickups es un sosias de los Smashing Pumpkins, una versión californiana y más peluda de nuestro grupo favorito, capaces de hacer soplar el tormento y el éxtasis desde la ciudad del viento hasta las colinas donde se filman los sueños.

Los Sspu son tres maromos y una bajista, una configuración que nos suena de algo y nos recuerda lo mucho de menos que se echa a D'arcy en las calabazas. Ante todo, los Pickups son amigos ... al menos de momento y hasta que se demuestre lo contrario.

Surgieron de la nada para colarse en los clubes indies de L.A.: lo más cool dentro la ciudad más cool del planeta. Se han ido haciendo un nombre y en poco tiempo serán capaces de llenar grandes superficies en todo el mundo, mucho más allá de los países de la commonwealth que tanto les quieren en la actualidad.

Sus canciones son alegatos contra la falta de melancolía que nos invade cuando nos reencontramos con el amor perdido que una vez lo fue todo para nosotros y al poco tiempo olvidamos sin remedio. Melodías que nos recuerdan las paradojas genéticas que nos harán tropezar siempre en la misma piedra por mucho que nos esforcemos en saltarla o rodearla.

"Carnavas" es el nombre de su primer disco largo y "Pikul" el de su EP anterior. Es imposible no distraerse con la belleza poco convencional que esconde su bajista Nikki Monninger, ella marca el ritmo de una banda que en unos años será la mejor del planeta y a la que no vemos la hora de poder ver en directo.

Forjadores de Himnos

Pereza están bajo sospecha de ser demasiado comerciales, de llevarse demasiado bien con El Canto del Loco y de que no les importe que les metan con ellos en el mismo saco. Su redención no puede ser otra que "Aproximaciones", un disco con el que se han acabado de consagrar como uno de los mejores grupos españoles y que fue el penúltimo descubrimiento de Chema Rey en el Bulevar.

Al oír hablar a Rubén y Leyva es inevitable odiarles: demasiado pasados a la par que guays. Para apreciar a los Pereza es obligado concentrarse en su música y apagar la radio o la tele cuando aparezcan para decirnos algo a capella.

Han dejado atrás las influencias de sus primos mayores los Hombres G y han vuelto a los orígenes: los Beatles, los Rollings y todos los grupos que parieron. Mucho organo, mucha guitarra y , en definitiva, gran cantidad de himnos de los que echabamos de menos en nuestro idioma desde que se separaron los Piratas y los Planetas se dedican a versionar cantes flamencos.

Exaltación de la amistad y del rock, amores más posibles que improbables, letras con mucho de autobiografia y poco de canalla, un mundo lisérgico multicolor de bacanales con miles de grupis en celo.

El disco también tiene canciones infumables, pero son las menos. Es de lo mejor que se ha publicado este año en nuestro idioma y quién diga lo contrario tendrá que demostrarlo.

Nos han cerrado la verja

Hace unos días tuvo lugar el último Bulevar en directo, precedido de una espectacular fiesta de despedida. Chema Rey ha sido una víctima más del ERE que ha pre-jubilado a tantas viejas glorias de RTVE. En los primeros tiempos de este Blog, le dediqué un post a este mítico programa de Radio 3, me hicieron especial ilusión los comentarios de Palankito (el primero que me habló del programa) y Dina (ideóloga de "La Sonrisa Bestia"), es inevitable volver a acordarme de vosotros ahora que la verja ya esta cerrada.

Como último homenaje al programa, aqui recojo cuatro de las canciones más importantes que pasaron por el Bulevar:

- "Bittersweet Symphony" - The Verve (Otoño del 97): Inolvidable melodía que nos retrotrae a los albores del honorable y extinto grupo de los Muchachos. Nunca llegué a escucharla en Bulevar, pero Chema la distinguió en su despedida como una de las canciones más importantes de las que pasaron por su programa, seguro que la puso unas 200 veces. Como anécdota, los Muchachos tuvieron a bien regalarme el disco de los Verve (o un vale por él) en mi 18 cumpleaños (25-O después del primer 17-O).



- "Child is my name" - Kemopetrol (98, 99 y siempre). Esta hipnótica canción de los finlandeses ha sonado más veces que ninguna en el Bulevar. Se hizo fuerte en el 98 y cuando en el 99 empezó a oirse en los 40, a Chema le dio envidia y la pinchó a diario durante semanas. Como curiosidad, el bueno de Palankito tuvo la oportunidad de ver a Kemopetrol en directo durante su Erasmus en Helsinki, que tan bien describió Pete en su poema "Luis y las finlandesas".



- "You Get What You Give" - New Radicals (Principio del 99): Ya me despaché bien a gusto sobre ella, según mis cálculos Chema la pinchó en 35 bulevares consecutivos y a mi me acabó convenciendo subliminalmente para comprarme el disco.



- "Save Me" - Aimee Mann (Principio del 2000): El comienzo del siglo, del milenio o lo que fuera, se inauguró con la genial "Magnolia" de Paul Thomas Anderson, a la que algún día le dedicaré uno de mis post vintage. El Sr. Rey se encariñó con la canción principal de la película y yo de tanto oírla, acabé soñando con ella, no sabría decir si fue un buen sueño o una pesadilla. Al final, fui al cine a ver la película y me compré la banda sonora de la angelical cuñada de Sean Penn.



Chema Rey: Gracias por descubrirnos tanta buena música, echaremos mucho de menos tu programa.

Presente, legado y ¿futuro?

Cuando en una misma noche puedes escuchar en directo al mejor grupo del momento y al mejor grupo de tu pasado, merece la pena dejarlo todo a un lado y enfundarse la tercera equipación (la de perro-flauta) para disfrutar a lo grande en la Monumental de las Ventas.

El paso de Kasabian por el festival fue efímero y muy voluntarioso, unos teloneros de lujo, a los que les costaría llenar la sala Moby Dick, se dejaron la piel sobre el escenario, calentando al público a ritmo de "C'mmon Madritz". Dejaron algunas perlitas cultivadas para los que hemos oído alguna vez sus discos (mucho mejor el primero que el segundo).

Dejaron para el final sus canciones más conocidas: "Processed Beats", "Empire", "Club Foot", "LSF", "Shoot the Runner" ... En un esfuerzo claro para que la gente abandonara los botellones de los aledaños de la Plaza y se incorporarán, junto con los currantes tardíos, a un festival afincado en mitad de la semana laboral y auspiciado por la resaca del Festimad.

Los Killers empezaron con "Sam's Town" y siguieron con "Enterlude" y "When You Were Young", en lo que parecía una reedición en directo de su último disco (por aquello del orden de las canciones). Los seguidores de la banda de Las Vegas son una amalgama ecléptica en la que tienen cabida desde los más perro-flautas hasta DJs houseros, pasando por todo tipo de personajes a los que no les gusta ningún tipo de música en particular.

Los Killers son muy buenos en directo y lo saben, la comunión con el público fue total y absoluta, demostrando que son el relevo generacional de U2 y que ellos solos serían capaces de llenar el Calderón o cualquier otra gran superficie que se prestara.

Los dos discos de The Killers tienen canciones enormes, que en directo lo son todavía más. En las Ventas nos deleitaron con "Jenny Was A Friend Of Mine", "Mr Brightside", "Smile Like You Mean It", "Somebody Told Me", "For Reasons Unknown", "Read My Mind", "Bones", "Bling (Confessions Of A King)" ... Sólo eché de menos "This River Is Wild", lo cual es todo un éxito en un concierto que duró poco más de una hora.

Todos en el albero estuvimos entregadísimos, hasta los anti-bailongos como yo nos tuvimos que rendir ante su talento y estuvimos dando botes desde el minuto 1 hasta el 90. Nos dejaron con ganas de más, el guaperas Brandon Flowers con su elegante traje sureño lo dio todo sobre el escenario y acabó diciendo que la Monumental era uno de los mejores sitios en los que había tocado jamás.

Con ese panorama y cruzada ya la medianoche, los "Smashing Pumpkins" (Calabazas Estrelladas para los amigos) resucitaron con un cierto retraso, medido en años y minutos. Billy Corgan había cambiado la sotana negra por una blanca y de la formación original ya solo quedaba Jimmy Chamberlin.

Comenzaron con una canción nueva que dejó frios a todos y pronto tuvieron que tocar "Today" para recuperar a un público que, después de la descarga de adrenalina a la que fuimos sometidos por parte de los Killers, empezaba a pedir camazo.

Debajo de la sotana, el bueno de Billy llevaba un mono que recordaba al de John Turturro en "El Gran Lebowski". Los nuevos componentes de la banda parecían replicantes de D'Arcy e Iha, además, pudimos constatar que Jimmy Chamberlin (dudamos - y mucho - de la condición sexual de Corgan) hizo castings de tías buenas para fichar a la teclista y la bajista.

Corgan nos dejó un par de recaditos: sobre su nuevo disco "Zeitgeist" dijo que sabía que todos nos lo ibamos a descargar de Internet, soltó el típico rollo SGAEista sobre los royalties y acabó diciendo que esperaba que, de cualquier manera, disfrutaramos escuchándolo. El segundo mensaje fue una dedicatoria de "Thirty Three" para todos los toros que mueren: se la podía haber ahorrado, decir que iba para todos los toros que mueren a manos de toreros o echarle huevos y decirlo en español para que le entendieran todos. Una muestra mas de esa doble moral tan genuinamente americana.

Pese a la abundancia de canciones nuevas y rarezas de esas que te saltas cuando escuchas sus CDs, Pete y yo coincidimos en que el concierto fue mejor que el del año 2000, sobre todo por aquello de que no nos torturaron con versiones raras de nuestras canciones favoritas. Esta vez no faltaron las clásicas "Tonight Tonight", "Zero", "Bullet With Butterfly Wings", "1979", "Disarm" y alguna más.

Para mí, el mejor momento fue cuando tocaron "Stand Inside Your Love", el más lamentable cuando la teclista novata se equivocó tocando "Mellon Collie And The Infinite Sadness" y el más insolito cuando se atrevieron con "To Sheila", una canción romanticota del "Adore", que los más viejos del lugar recordaban de aquella vez que un Muchacho eternamente afincado en la semana santa cordobesa, la escuchó en el único garito de su pueblo, a la vez que forjaba su leyenda como Matador Latino.

La noche acabó con un simple bis de "Muzzle", una canción que me trae excelentes recuerdos, por aquello de que sirvió de banda sonora para mi debut radiofónico como colaborador en Radio Miraflores. Eran casi los dos de la mañana, nos esperaba un largo paseo hasta casa, disfrutando de una noche tan estrellada como esas calabazas que pusieron música al final de nuestra adolescencia y que un día cedieron el testigo a unos Killers que con su elegancia y desparpajo son capaces de teletransportarte a Las Vegas sin necesidad de sobrevolar el Atlántico.

Susto

Panic! at the Disco se formó en los suburbios de Las Vegas por un grupo de amigos de la infancia. Ryan Ross en la guitarra y Spencer Smith en la batería. El dúo originalmente tocaba solamente covers de Blink 182.

Todo iba como la seda, por lo que su siguiente paso era formar una banda original. Para ello reclutaron a sus compañeros de secundaria Brent Wilson y Brendon Urie para el bajo y la voz.

Su particular nombre lo escogen del tema "Panic" de Name Taken. Ya bautizados comienzan sus primeros ensayos en el garaje de la casa de los abuelos de Spencer. Allí componen y dan forma a sus primeros temas.

Poco después serían apadrinados bajo el sello discográfico Decaydance y empezarían con su verdadero carrera. Así sale a la luz su disco "A Fever You Can't Sweat Out", que se divide en dos partes, una primera, denominada por ellos como futurista por el uso de sintetizadores, y una segunda nostálgica, donde presentan letras introspectivas, piano y acordeón. El álbum llegó a posicionarse en el número uno de las listas de Rock Alternativo del Billboard y Myspace.

Panic! hace gala de un logrado sonido, mezcla de punk rock, pop, dance y música de los 80. También le suman detalles de arreglos y matices que le añaden un misterio e interés al que es complicado resistirse.

El grupo ha sido catalogado dentro del emo, corriente derivada del rock alternativo independiente. Este movimiento heredero del Punk y el rock gótico, se caracteriza por el contenido presuntamente transcendente de las letras de algunas de sus canciones y sus experimentos musicales basados en la propia inspiración. Panic! at the Disco ha renegado reiteradamente del emo, argumentando que ninguna de sus canciones hablan de lo tristes que se sienten jóvenes débiles que fallan en sus relaciones amorosas.